Los Tigres del Norte hicieron su debut en Tiny Desk con un mensaje dedicado a los migrantes latinos en Estados Unidos. Antes de su actuación, la agrupación fue presentada como una voz que representa a quienes han sido estigmatizados por su origen.

La sesión, estrenada el 15 de octubre, forma parte de los conciertos acústicos e íntimos de la National Public Radio (NPR), con sede en Washington.

Éxitos

Los músicos abrieron con “Somos más americanos”, tema de 2001 que habla de las dificultades de los migrantes para encontrar mejores oportunidades, además de que cuestiona que se les considere invasores en territorios que anteriormente pertenecieron a México. “Ellos pintaron la raya, para que yo la brincara y me llaman invasor. Es un error bien marcado, nos quitaron ocho estados, ¿quién es aquí el invasor? Soy extranjero en mi tierra, y no vengo a darles guerra, soy hombre trabajador. Y si no miente la historia, aquí se asentó en la gloria la poderosa nación”, es uno de los fragmentos.

Después, la agrupación interpretó “Golpes en el corazón”, canción compuesta por Víctor Valencia, hermano del compositor Enrique Valencia, que llegó de manera inesperada a su repertorio. En 2011, grabaron una versión junto a Paulina Rubio para el álbum MTV Unplugged: Los Tigres del Norte and friends.

Conmemoración

La participación de la banda coincidió con el Mes de la Herencia Hispana en Estados Unidos. Durante la sesión, el público coreó sus canciones, entre ellas “Quiero volar contigo” y “Ni parientes somos”.

El tradicional grito de “¡otra, otra!” tampoco faltó. Para cerrar su presentación, Los Tigres del Norte eligieron “La puerta negra”, uno de sus temas más emblemáticos, incluido en el álbum ¡Gracias!... América... Sin fronteras, de 1986.

La selección mensual incluyó a Mon Laferte, cantante chilena-mexicana; Panteón Rococó, agrupación mexicana que fusiona el ska con ritmos caribeños, cumbia y rock; Los Texmaniacs, banda texana que combina el acordeón con la tradición musical de la frontera entre México y Texas; Draco Rosa, músico puertorriqueño, y Alex Ferreira, cantautor dominicano, entre otros.

Alexis Ayala y su nueva pareja Marietta Lux, una empresaria de 51 años originaria de Monterrey, Nuevo León, viven un buen momento y presumen su amor en redes, luego de que el actor de 61 anunciara en abril su separación con su exesposa Cinthia Aparicio.

Para el actor, galán de telenovelas, hay que aprovechar las oportunidades de la vida, y eso incluye las oportunidades amorosas.

Marietta, quien se dedica a la compra y venta de artículos y bolsos de lujo, asegura estar muy enamorada de Alexis, quien la enloqueció por su forma de ser en sus facetas como padre e hijo. “Fueron muchísimas cosas, pero sobre todo el ver lo buen padre, ya a esta edad uno se fija creo que en cosas diferentes, y lo buen padre y lo buen hijo que es, fue lo que me trastornó y me enloqueció de él”, dijo a Televisa Espectáculos.

Nueva oportunidad

Tras su sorpresiva separación de Cinthia Aparicio, Alexis reveló inicialmente que ya se encontraba con una compañera, y después confirmó que se trataba de una nueva pareja que lo tenía muy feliz y con mucha paz. “Hay que vivir bonito y estar agradecidos”, reiteró.

La relación entre Alexis Ayala y Cinthia Aparicio, quien es menor que él casi 30 años, llegó a su fin después de tres años de matrimonio, la pareja se casó por el civil y por la Iglesia en 2023, pero el 30 de abril de 2026 el famoso confirmó su separación en una entrevista con la revista Caras.

En esa conversación, reveló que fue Cinthia quien tomó la decisión definitiva de poner fin a su relación; la actriz habló sobre los motivos de la ruptura y explicó que sus planes de vida eran incompatibles; uno de los principales puntos de desencuentro fue su deseo de convertirse en madre y formar una familia, una aspiración que Alexis Ayala ya no compartía.

Ahora, Ayala disfruta de una nueva relación a plenitud. “Que termine un amor no quiere decir que no haya un amor más grande en tu vida más adelante; un adiós no significa que no haya un futuro o un mañana; que te equivoques no significa que no puedas aprender y hacer las cosas correctas para ti”, reflexionó.

Alexis Ayala tiene dos hijas de relaciones anteriores: Stephanie Ayala, quien nació alrededor de 1990 y es hija de la actriz Beatriz Zazueta, y Roberta Ayala, nacida entre 2011 y 2012, fruto de su relación con Fernanda López.

No todos aquellos que hacen historia reciben el mismo reconocimiento y Tenzing es una prueba de ello. La película recupera la historia del alpinista sherpa Tenzing Norgay, quien en 1953 llegó a la cima del Everest junto a Edmund Hillary, pero cuya hazaña estuvo marcada por los prejuicios de una época que no lo veía como un igual.

Interpretado por Genden Phuntsok, Tenzing Norgay forma parte de la expedición británica encabezada por el coronel John Hunt (Willem Dafoe). Aunque su experiencia en la montaña es indispensable para el grupo, queda relegado a un papel secundario.

Un lugar de respeto

Para Tenzing, el ascenso no se reduce a una conquista o una prueba de superioridad. El Everest es una montaña sagrada y esta perspectiva distingue su travesía de la del resto. La cinta combina la expedición con el retrato de un hombre que debe enfrentar tanto las condiciones extremas de la montaña como los prejuicios de quienes lo rodean. En ese recorrido también es importante el apoyo de su esposa, Dawa, interpretada por Thinley Lhamo, mientras que Tom Hiddleston da vida a Edmund Hillary.

Dirigida por Jennifer Peedom, la película fue rodada en locaciones de Nepal y los Alpes del Sur de Nueva Zelanda; además, utiliza tecnología de drones para ofrecer una perspectiva aérea de los paisajes del Himalaya.

Nacido el 11 de noviembre de 1999 en Ciudad de México, Nicolás Haza Paleta encontró en la cinematografía, la actuación y la música distintas vías para desarrollar su sensibilidad artística. Aunque desde joven estuvo familiarizado con el ambiente del espectáculo, su formación tomó un rumbo particular cuando se trasladó a Toronto, Canadá, para estudiar cinematografía. Esa experiencia contribuyó a ampliar su perspectiva sobre el lenguaje audiovisual y a descubrir que su interés por el arte no se limitaba a estar frente a las cámaras.

Su incursión en el medio artístico ha despertado interés tanto por su origen familiar como por su desarrollo profesional. Sin embargo, más allá de la atención que genera su parentesco con dos figuras conocidas de la televisión y el cine, su historia también permite observar el proceso de una nueva generación de intérpretes que busca abrirse camino en un panorama audiovisual en constante transformación, donde conviven las producciones tradicionales, las plataformas digitales y las nuevas formas de consumo de contenidos.

De la cinematografía a los primeros pasos frente a las cámaras

Antes de consolidarse como actor, Haza exploró el trabajo detrás de las imágenes y la creación musical. Su formación en cine le permitió acercarse a los procesos de producción y dirección, conocimientos que posteriormente se convertirían en parte de su identidad creativa.

En entrevistas, el propio artista ha explicado que la actuación no fue necesariamente su primera elección profesional. Antes de incorporarse de lleno a la interpretación, se interesó por la producción cinematográfica y comenzó a desarrollar su faceta musical. Esta trayectoria evidencia una aproximación al entretenimiento que combina distintas disciplinas y que le permite participar en proyectos desde más de una perspectiva.

Su primera aparición destacada en TV llegó en 2022, cuando participó en la nueva versión de la telenovela Los ricos también lloran. En esta producción interpretó a Luis Alberto Salvatierra durante su juventud.

La participación significó su entrada a la televisión comercial y una primera oportunidad para demostrar sus capacidades interpretativas en una historia reconocida por varias generaciones de espectadores. Aunque su intervención fue breve, representó un paso importante en el desarrollo de una carrera que comenzaba a tomar forma dentro de la industria mexicana

Nadie nos va a extrañar amplió su reconocimiento

Uno de los momentos más significativos de su trayectoria llegó en 2024 con Nadie nos va a extrañar, serie ambientada en la década de 1990 que sigue a un grupo de estudiantes de preparatoria que encuentra una oportunidad de negocio al ayudar a otros alumnos a aprobar sus materias.

En la historia, Haza interpreta a Alex, un joven que atraviesa un proceso de autodescubrimiento y cuestiona aspectos de su identidad y sus sentimientos. El personaje enfrenta conflictos relacionados con la aceptación personal, las relaciones afectivas y las expectativas sociales, temas que aportaron una dimensión emocional a la trama.

La serie se convirtió en una plataforma importante para que el actor llegara a una audiencia más amplia. Su interpretación le permitió explorar un registro dramático vinculado con la vulnerabilidad, las dudas y las contradicciones de la adolescencia, alejándose de los papeles breves que habían marcado sus primeros trabajos.

Compartir pantalla desde una nueva perspectiva

El cine también ocupa un lugar central en su carrera. La película Después, dirigida por Sofía Gómez Córdova, representa uno de los proyectos más significativos de su filmografía, tanto por su contenido dramático como por la particularidad de compartir créditos con su madre, Ludwika Paleta.

La cinta aborda el duelo de una madre que, tras perder a su hijo, comienza a enfrentarse a la complejidad de su relación y a descubrir aspectos de él que desconocía. Se trata de una historia que explora la maternidad, la pérdida y las dificultades de conocer verdaderamente a las personas más cercanas.

El proyecto adquirió una dimensión especial por el vínculo real entre sus protagonistas. Sin embargo, la relación familiar también implicó un reto profesional: ambos debían construir personajes independientes de su historia personal.

En una entrevista, Haza explicó que él y su madre establecieron desde el principio una dinámica de compañeros de trabajo, sin trasladar al set una jerarquía familiar. El actor también señaló que fue necesario encontrar un equilibrio entre la relación real que comparten y las necesidades de la ficción, para evitar que los personajes perdieran su autonomía.

U2 volverá a México en febrero de 2027 para reencontrarse con sus seguidores con dos conciertos en el estadio GNP, un regreso que llega después de una visita muy especial en mayo pasado, cuando Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. recorrieron la capital para filmar videos musicales.

La agrupación ofrecerá sus presentaciones los días 23 y 26 de febrero como parte de la gira The Greatest Show On Earth World Tour, con Beck como invitado especial. El tour acompañará el lanzamiento de Carnaval de Luz, su próximo álbum de estudio, previsto para el 13 de noviembre de este año.

Locaciones

La relación con México se fortaleció durante aquella visita, cuando los músicos sorprendieron a sus fanáticos al aparecer en las inmediaciones de la Plaza de Santo Domingo, en el Centro Histórico, para grabar “Street of dreams”.

Sobre el techo de un autobús escolar, cubierto de grafitis por el artista mexicano Chavis Mármol, los integrantes tocaron frente a decenas de seguidores que fueron convocados para participar en la filmación. La visita también tuvo como escenario el emblemático Salón Los Ángeles, en la colonia Guerrero, donde U2 grabó el videoclip de “Silencio”, otro de los temas de su nueva etapa musical.

Ahora, el cuarteto regresará para llevar su espectáculo al estadio GNP y reencontrarse con un público que ha esperado casi una década desde sus últimas presentaciones en el país, en 2017, durante la gira conmemorativa del álbum The Joshua Tree.

La preventa Banamex está anunciada para el 21 de octubre, mientras que la venta general comenzará el 23 de octubre. La expectativa apunta tanto al regreso de sus clásicos, como a la posibilidad de escuchar en vivo material de su nuevo disco.

La compañía Mattel presentó recientemente su nueva muñeca Barbie coleccionable, inspirada en la cantante canadiense de 58 años Céline Dion, conocida por interpretar el popular tema musical “My heart will go on” de la cinta Titanic.

La figura de colección pertenece a la línea Barbie Signature de Mattel, que reúne ediciones especiales dirigidas a fanáticos y coleccionistas adultos. Estos modelos suelen incluir un certificado de autenticidad.

Con este lanzamiento, la marca, enfocada en el diseño y distribución de juguetes, conmemora la aparición de la cantante en la ceremonia de la entrega de premios Óscar de 1998, en la que interpretó su éxito “My heart will go on” de la película de 1997, dirigida por el cineasta James Cameron e interpretada por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.

Creación

Para el diseño estético de la figura, el equipo creativo de Mattel tomó como inspiración el largo vestido de cuello alto y manga larga en un intenso color azul océano utilizado por la artista en los premios de cine y creado por el diseñador Michael Kors.

Cabe señalar que, la muñeca no se sostiene sola, por lo que incluye un soporte especial. La figura puede comprarse a través de la plataforma de Mattel Creations, por un precio de mil 300 pesos mexicanos.

La vida nocturna y gastronómica de la Ciudad de México registró un acontecimiento inesperado la noche del 15 de octubre de 2026. Martin Garrix, uno de los referentes más influyentes de la música electrónica a nivel internacional, decidió cambiar los escenarios multitudinarios por la barra de un establecimiento de alimentos en la capital del país.

El productor musical sorprendió a decenas de transeúntes y seguidores al ofrecer una presentación improvisada y totalmente gratuita que rápidamente se volvió tendencia.

¿Dónde ocurrió?

El escenario elegido para este concierto relámpago fue la sucursal de Tacos Atarantados situada en la colonia Roma Norte, una zona emblemática por su oferta cultural y culinaria dentro de la alcaldía Cuauhtémoc.

Este establecimiento gastronómico se distingue por su concepto urbano y moderno de taquería regiomontana, caracterizado por su iluminación llamativa, estéticas contemporáneas y una constante afluencia de jóvenes.

De acuerdo con información sobre el lugar, disponible en portales especializados en gastronomía urbana, el espacio combina la tradición de los tacos al pastor, chicharrón y árabes con un ambiente festivo.

En esta ocasión, la barra de preparación y las mesas habituales sirvieron de cabina improvisada para que el artista conectara de cerca con el público local.

¿Cómo estuvo la fiesta?

Antes de los conciertos programados en el Palacio de los Deportes, el DJ neerlandés montó un equipo de sonido básico en el inmueble y comenzó a interpretar varios de sus temas más emblemáticos, entre los que destacó su éxito global “Animals”.

La mezcla de música electrónica dentro de una taquería provocó una convocatoria inmediata que llenó por completo el local e hizo que cientos de personas formaran filas en las aceras exteriores para alcanzar a presenciar el espectáculo.

“Ya, mi nene, no prosigas. ¿Qué dirá la gente que nos ve? Irán con cuentos a papá y verás que se arma un lío”. Así cantaba Angélica María en “Vivaracho”, tema que grabó en los años 60, cuando era adolescente.

Hoy, a sus 82 años, a la cantante le causa gracia recordar aquella situación, aunque sigue interpretando la canción cuando se lo piden. “La Novia de México” está consciente de que los tiempos y las costumbres han cambiado, pero sus ganas de subirse al escenario siguen intactas tras 76 años de trayectoria.

Hace unos días se presentó nuevamente junto a Enrique Guzmán en el teatro Metropólitan, en lo que anunciaron su última actuación juntos en la Ciudad de México. Sin embargo, asegura que no tiene planes de retirarse mientras el público se lo pida. “No sabes qué puede suceder a futuro: te puedes caer, se te puede ir la voz, no puedes gustar, a lo mejor ya no gustas, a lo mejor te ves ridícula. Mientras no me vea ridícula y el público me quiera ver, yo ahí voy a estar. Cuando ya no me quiera ver, ya no vaya nadie, pues ya, goodbye”, dice .

Una época que permanece

Con Enrique Guzmán comparte más de seis décadas de amistad y música. Dice que lo considera como un hermano o un primo, además de un artista al que admira y con quien ha visto cómo sus canciones trascienden. “Él admira mis canciones, yo las suyas. Es toda una época que vivimos muy interesante, la época del rock es una muy interesante, cuando se une toda la juventud del mundo entero”, recuerda la cantante.

Esa necesidad de transmitir sentimientos sigue presente cuando habla de su carrera. Su familia y el contacto con el público también son alicientes para continuar. “Me motivan mis nietos y mi hija, que son divinos, y seguir haciendo lo que hago. Nací para estar arriba de un escenario, enfrente de una cámara. No sé si soy buena o mala, es una necesidad enorme de dar todos estos sentimientos, de comunicarlos, que el público sienta que yo lo amo”, afirma.

Precisamente con su hija Angélica Vale comparte otra faceta en el podcast Las Angélicas, donde ambas han recuperado historias que, por sus ocupadas agendas, no habían tenido oportunidad de contarse.

Esos recuerdos también la llevan a pensar en lo rápido que ha pasado el tiempo. Los años 70, cuando sus canciones sonaban entre los jóvenes, todavía le parecen cercanos, por lo que tiene un consejo para los jóvenes. “Vive, diviértete, vive bien, disfruta lo que te gusta. La vida se va rapidísimo, es cortitita. De pronto volteas la cara y eres un viejo, haz de cuenta que pasaron 16 años. Los 70 parece ser que hace 20 años que sucedió”, reflexiona la estrella.

El video oficial de “Dr, Doctor”, de Emi Blue y Dani Flow, alcanzó el puesto número 9 en tendencias de música de Youtube México, compartiendo el ranking con artistas destacados de distintos géneros musicales. Al mismo tiempo, “Loba” supera los 20 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándose como uno de los lanzamientos más importantes en la trayectoria de Emi Blue.

Producido por 1920 Cine, el video oficial de “Dr, Doctor”, desarrolla visualmente el concepto de la canción y acompaña la personalidad irreverente de ambos intérpretes. El lanzamiento reúne sus estilos dentro de la escena urbana, con una combinación de guaracha y sonidos urbanos.

Más allá de una colaboración

Para Emi Blue, trabajar con Dani Flow tiene un significado especial, ya que él fue una de las inspiraciones que la motivaron a comenzar a hacer música. Una idea llevada al estudio se convierte en “Dr, Doctor”, un tema en el que ambos artistas unen sus estilos.

Emi Blue atraviesa un momento clave en su carrera, con una propuesta que conecta con un público cada vez más amplio y una identidad artística definida.

Veinte años después de interpretar al Fauno y al Hombre Pálido en El laberinto del fauno, Doug Jones encuentra en la película de Guillermo del Toro un reflejo de un planeta cada vez más dividido por la violencia y las disputas del poder. “Tengo 66 años y nunca había visto al mundo tan enfrentado como ahora, tantos conflictos. Quizá no todo está perdido, quizá todavía tenemos la voluntad de resistir”, expresa.

Para el actor, la historia de Ofelia, una niña que busca refugio en un universo fantástico mientras enfrenta la brutalidad de la España franquista, conserva su vigencia porque muestra que, incluso quienes parecen más vulnerables, pueden desafiar a una autoridad injusta.

Personaje

“Muchos conectaron con Ofelia, con ser alguien en desventaja que lucha contra el sistema y contra una autoridad que abusa de su poder. Vemos las noticias y nos damos cuenta de que el mundo está constantemente en guerra. Y cuando observas todo eso a través de los ojos de un niño, encuentras una inocencia muy especial”, añade Jones en entrevista.

Así se refiere el estadounidense a la verdadera monstruosidad que se retrata en la cinta de 2006, una que no está en la apariencia, sino en la crueldad humana. “Creo que Guillermo toca al monstruo que todos llevamos dentro, por eso suele incluir en sus historias a personajes jóvenes que están atravesando sus propios problemas”, dice.

De la película hispano-mexicana, que celebra 20 años con su reestreno, Jones considera que el verdadero terror de la historia está representado por el capitán Vidal (López), cuya apariencia humana contrasta con la brutalidad de sus acciones. “Muchas veces pensamos que los monstruos son malos. Existe ese miedo a lo desconocido. Y después tienes a un ser humano que parece completamente normal, pero que resulta ser la persona más malvada”, expresó.

Para Doug, el Fauno representa otra cara de esas criaturas: la de un mentor que, pese a su apariencia inquietante, ayuda a Ofelia a encontrar su propia voz. “Es una relación muy parecida a la de un mentor con su aprendiz. Al principio no sabes si puedes confiar en él o no, como les sucede a muchos niños con los adultos, hasta que los ponen a prueba. Conforme avanza la historia, esa relación se desarrolla”, explica.

En retrospectiva

Dos décadas después, el actor considera que el cariño permanece. Por ejemplo, asegura que nunca ha visto tantos tatuajes de sus personajes como los inspirados en esta cinta. “La gente quiere llevarlos en el brazo o en la pierna durante el resto de su vida. Ese es el mayor cumplido que puedo recibir”, concluye.

Al Pacino será reconocido por el sindicato de actores SAG-Aftra, gracias a su trayectoria profesional en el cine, el teatro y la televisión, así como por su labor humanitaria.

El intérprete de Michael Corleone en El Padrino recibirá el galardón el próximo año, durante la edición de los Actor Awards, programada para el 28 de febrero en Los Ángeles. La ceremonia se transmitirá por Netflix. El premio se entrega a actores y actrices que encarnan “los más altos ideales de la profesión actoral”. “El trabajo y los compañeros con los que he coincidido en el camino figuran entre las mayores alegrías de mi vida. Es un honor que SAG-Aftra reconozca este viaje”, expresó Al Pacino en el comunicado.

Inmortal

Con más de seis décadas de carrera en distintos ámbitos artísticos, Al Pacino ha interpretado a personajes memorables, como el narcotraficante Tony Montana en El precio del poder. También ha participado en producciones como Érase una vez en... Hollywood, Perfume de mujer y Serpico.

A lo largo de su carrera, el actor ha recibido premios Emmy, Globos de Oro y Tony, además de un Óscar a mejor actor. También obtuvo el León de Oro a la Trayectoria del Festival de Cine de Venecia y un reconocimiento del American Film Institute.

Stephen King tenía apenas 26 años cuando salió Carrie, su primera novela publicada, y han pasado casi 50 años desde que el 3 de noviembre de 1976 Brian De Palma estrenó su aclamada película con Sissy Spacek como Carrie White.

Hoy King tiene 79, De Palma anda por los 86 y es el incansable Mike Flanagan quien tomó la posta y la batuta para, con el aval del escritor (figura como uno de los productores ejecutivos), hacer una versión modelo 2026. Y, contra todos los prejuicios de los más escépticos, hay que admitir que Flanagan ha hecho un buen trabajo adaptando aquella historia a estos tiempos de redes sociales y fake news.

A esta altura de su carrera, Mike Flanagan puede ser considerado como el guionista y realizador más afín al mundo de Stephen King, ya que ha dedicado buena parte de su carrera a rehacer y expandir obras del autor, desde Gerald’s Game hasta La vida de Chuck, pasando por Doctor Sleep. Ninguna de las adaptaciones previas se cuentan entre lo más inspirado de su obra (en ese sentido, Midnight Mass y The haunting of Hill House son mejores), pero no hay duda que el universo de King lo atraviesa, aún cuando no esté adaptando algún libro suyo.

Esta es una Carrie para la época de las redes sociales, del fundamentalismo religioso y de los atentados escolares, lo cual es lo mismo que decir que los problemas que atravesaba la protagonista de la novela y el filme original han aumentado de un modo considerable. Esta versión XXL de Carrie cambia algunas cosas, mantiene otras, expande y agrega aquí o allá, pero en líneas generales se mantiene fiel a los temas del original. Si el bullying era un problema vergonzoso hace medio siglo, ahora es un modo de vida que le permite a algunos hasta ganar elecciones.

Dos grandes aciertos

El primero es inherente a los propios tiempos que corren, pues, a diferencia de lo que ocurría en los años setenta, hay ahora teléfonos móviles y redes sociales, lo que hace que la humillación de Carrie en las regaderas acabe siendo filmada y tomando estado público. El segundo es que la serie se permite explorar más a personajes secundarios y, así como King hacía confluir en Carrie la víctima y el victimario, algo semejante ocurre aquí con las dos grandes villanas de la historia. Margaret White y Chris Hargensen no salen de la nada, sino que cargan respectivamente pasados y herencias familiares que las llevan a ser como son.

Todo eso está muy bien, pero el principal problema es que Flanagan no consigue manejar el equilibrio y tanto las subtramas de ambas mujeres como el exacerbado lugar dado a temáticas sociales muy de actualidad (cyberbullying y violencia escolar, por ejemplo) acaban por fagocitarse a la serie y hacer que Carrie pierda como personaje ese carácter único y especial que tan bien captara el ojo de De Palma en aquella increíble interpretación de Sissy Spacek.

El conflicto interno del colegio, sin ir más lejos, cobra en la serie un carácter mucho más público que en el libro y, aun antes de los sucesos del baile de promoción, alcanza ribetes de violencia que acaparan la atención de los medios.

Nuevos cambios

La serie propone algunos cambios de entrada y no solo de época. Todo aquí empieza con la muerte accidental del padre, muerte que revela la existencia de Carrie y de su madre, Margaret (Samantha Sloyan), que han vivido sin casi salir de su casa. En esta versión no son solo religiosos sino una familia de esas que viven creyendo en cualquier tipo de teoría conspirativa y se preparan como para no tener contacto con nada ni con nadie del exterior. Pero, al morir el padre, el estado obliga a su madre a llevar a Carrie a la escuela y, claramente, la chica no está preparada para esa masacre.

La serie expandirá el rol de sus amigas, sus enemigas, los “chicos malos” que todos conocemos y, sobre todo, de la relación que cada uno de ellos tiene con sus padres. Esta Carrie es una serie sobre esa suerte de maldad que recorre las aulas y los pasillos de las escuelas secundarias —maldad que con las redes sociales creció exponencialmente—, pero más que nada es una historia acerca de los conflictos que genera tener una mala relación con tus padres. O con tus hijos. En ese sentido, la serie de Flanagan busca salvar a sus monstruosos adolescentes de cualquier culpa o pecado.

Casi todo lo que hacen, por horrendo que sea, puede achacársele a sus desentendidos, crueles o religiosos progenitores. Y viendo cómo son algunos de ellos —especialmente Margaret— hay que darle cierta razón.

Un discurso a veces innecesario

El discurso feminista, por otra parte, lo impregna todo y se vuelve cargoso de tan sobreexplicado. Relatos en off nos hablan de supuestos casos psíquicos “reales” que, a lo largo de la historia, fueron protagonizados por mujeres, pero ridiculizados por hombres machistas y represores que los tildaron como falsos.

Si Chris o Margaret son lo que son, la culpa es de los hombres que han pasado por sus vidas, lo cual queda burdamente estereotipado en el caso de la primera, cuyo padre es corrupto y manipulador, mientras que su madre es buena y comprensiva. Están separados, claro…

Pero aun con todo eso, no llegamos a lo peor, que es la ausencia de terror en una serie que se supone del género. Los preparativos del baile, fundamentales en la historia, pasan aquí a toda prisa y, lejos de constituir su llegada el clímax de la misma, termina por el contrario siendo un momento de lo más insulso, sin atmósfera, tensión ni suspenso. Ojalá Flanagan hubiera aprendido algo de De Palma, a quien solo le alcanzó con centrar nuestra atención en un balde para lograr todo eso.

En Hollywood, una carrera puede sobrevivir a un fracaso de taquilla, pero no a un escándalo, y eso es lo que plantea Outcome, la nueva cinta de Keanu Reeves. Al actor Reef Hawk (Reeves) le basta una amenaza para poner su vida patas arriba: alguien tiene un video suyo y está dispuesto a usarlo para extorsionarlo.

El problema, además, es que Reef está a punto de regresar a las pantallas después de una pausa de cinco años para tratar sus problemas de adicción, y esta situación podría poner en peligro todo.

En busca de limpiar su nombre

Su abogado, Ira (Jonah Hill), lo obliga a adelantarse a los hechos y emprende una caótica gira de disculpas para pedir perdón a las personas que maltrató o de las que se distanció.

Outcome funciona, así como una sátira sobre la fama, la cultura de la cancelación y una industria en la que la reputación es parte del negocio. Por su parte, Reeves se aparta de los héroes de acción, para encarnar a una celebridad egocéntrica e insegura, pendiente de la aprobación ajena. Este contraste resulta irónico frente a la imagen sencilla que el actor ha proyectado fuera de la pantalla.

Álvaro Curiel de Icaza, director de Somos y Tú eres mi problema, proviene de una familia de compositores: su tío abuelo Gonzalo es el autor de Vereda tropical y su papá Francisco de música para cintas como María Isabel, así que solo era cuestión de tiempo para que “volviera” a sus raíces en un filme.

Lo hace con Cosme, que se estrenará en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia. La cinta sigue a un músico errante (Mauricio Pimentel) que recorre pueblos con su hija (Abril Manrique) en una camioneta que lo mismo es casa, que escenario y herida abierta. “Es la historia de definir el lugar del artista en la sociedad, si lo necesita o no. Siempre se pregunta si es necesario y al final la gente común sí requiere de un camino más allá de lo espiritual y religioso”, comenta Curiel. “Los compositores son los artistas más mundanos, del pueblo, de la calle, son los que conectan, si no de dónde han salido Juan Gabriel o Joan Sebastian. Yo que soy de una familia de músicos y compositores, me encanta homenajear a esos poetas del pueblo”, considera.

Este es el cuarto filme del director luego de Acorazado, Marioneta y Tú eres mi problema. La cinta se rodó en diciembre pasado bajo un esquema en el que Curiel puso de su propio bolsillo, en sociedad con empresas como EFD y Disruptiva.

Eso es algo que desea quede claro, porque es hermano de Claudia Curiel de Icaza, actual Secretaría de Cultura federal, lo que implica que por el resto del sexenio no puede aplicar a fondos públicos como Focine y Eficine. “Pensé qué pasaría en los próximos seis años de mi vida, si hacer series, pero me decidí por hacer películas y hay manera, en lugar hacer fila en los fondos que están colapsados por los 900 proyectos que hay”, subraya.

Actúan además Patricia Reyes Spíndola y Mercedes Hernández.

Cuando una mujer contrata a un detective privado para investigar una infidelidad, lo último que espera es que el caso termine ligado a un asesinato y a una red de corrupción. Eso es lo que ocurre en Chinatown, un thriller dirigido por Roman Polanski y protagonizado por el legendario Jack Nicholson.

La historia comienza cuando Jake Gittes (Nicholson) es contactado por una mujer que se presenta como Evelyn Mulwray. Su objetivo es confirmar que su marido, Hollis Mulwray (Darrell Zwerling) le es infiel.

Gittes sigue al hombre, consigue fotografiarlo con una joven y las imágenes llegan a la prensa; pero todo cambia cuando aparece la verdadera Evelyn (Faye Dunaway) y Hollis es encontrado sin vida. El detective decide investigar quién lo engañó y qué hay detrás del asesinato.

Suspenso

Uno de los mayores atractivos de Chinatown es el misterio. Cada descubrimiento abre nuevas preguntas y obliga al detective (y al espectador) a desconfiar de quienes lo rodean.

Con esta cinta, Polanski rinde homenaje al cine negro de los años 40, aquel en el que los investigadores y las mujeres fatales estaban al centro de la trama; sin embargo, les da un tratamiento distinto a estos elementos. Y es que, en lugar de recurrir a los callejones oscuros y las sombras, sitúa gran parte de la historia bajo el sol de Los Ángeles.

Las actuaciones de Nicholson y Dunaway les valieron una nominación al Óscar; mientras que Polanski (quien tiene una participación frente a las cámaras) también fue candidato como Mejor director. La película puede verse en Netflix, Prime Video y Apple TV.

Esta semana se dio a el conocer acta de dictaminación del Premio Internacional de Novela Breve Rosario Castellanos 2026, emitida por el gobierno del estado de Chiapas, el Consejo Estatal para las Culturas y las Artes (Coneculta) y el Ayuntamiento de Comitán de Domínguez.

Para esta edición el jurado estuvo conformado por Socorro Venegas, Sol Ceh Moo y Daniel Espartaco, quienes se reunieron de manera virtual el 14 de octubre de 2026 para anunciar al ganador de este certamen literario.

Precisaron que la obra premiada es En silencio digo tu nombre, presentada bajo el seudónimo “Erdosain” y marcado con el número 10 de la lista. El trabajo destacó por su prosa potente y su valiente exploración sobre el amor filial ante una tragedia, logrando transmitir con precisión la complejidad emocional de los sobrevivientes, indicaron.

El acta

La pieza “explora sin condescendencia la compleja situación de un padre que busca comprender a su hijo, un adolescente que comete un asesinato múltiple. Con una prosa potente y precisa el/la autor/a logra un conmovedor y excepcional relato de amor filial más allá de los prejuicios y los mandatos sociales; trata con oficio y valentía un tema muy difícil y actual de manera clara, reflexiva y directa, con paso firme y fuerza en cada capitulo, logra transmitir emociones en los lectores con la mera intención de hacernos comprender que no sufren más los muertos sino los vivos, dueños de sus muertos y sus culpas”.

Revelan el nombre del autor

Horas después se reveló la identidad de la persona ganadora del certamen, el escritor Antonio Jesús Ramos Revillas. De acuerdo con la ficha compartida por el Coneculta, el autor es egresado de la carrera de Letras Españolas de la Universidad Autónoma de Nuevo León, institución que en 2015 le otorgó el Premio a las Artes por su trayectoria literaria, en la que destaca su literatura escrita para niños y jóvenes, por la que le han conferido en tres ocasiones la mención de The White Ravens que otorga la Biblioteca de la Juventud de Munich, así como en tres ocasiones el Premio Fundación Cuatrogatos.

Fue becario del Centro Mexicano de Escritores y de la Fundación para las Letras Mexicanas, y en dos ocasiones, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Su novela más reciente es Playa Bagdad (Alfaguara 2024), nominada al premio ALMA (Astrid Lindgreen Memorial Award) otorgado por el gobierno de Suecia.

Fundado en octubre de 2021, por el realizador cinematográfico Fernando Alexis Sánchez Mendoza, el Centro Audiovisual Toluca (CAT) es un espacio cultural y de formación cinematográfica en la capital mexiquense dedicado a la exhibición de cine independiente, de autor y festivales.

Este lugar ofrece cursos, asesorías y conversatorios con cineastas, además de que siempre se encuentra abierto para quien guste exhibir su material fílmico y publica libros bajo el sello del CAT que, aunque no es una editorial, invita a participar “no desde un aspecto técnico o especializado, sino más bien como una convocatoria a que los cineastas jóvenes puedan inmiscuirse en el ámbito audiovisual”.

Auspicio

Con el apoyo de la Secretaría de Cultura del gobierno de México, a través del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y el Programa de Fomento al Cine (Focine) en la vertiente Equipamiento y/o Acondicionamiento, el CAT renovó sus instalaciones para ofrecer una experiencia cinematográfica de alto nivel, al incorporar moderna tecnología para la proyección visual y sonora, además de mejorar los asientos y espacios comunes para el público. 

El CAT también es un lugar importante para la formación de públicos y de cineastas en el Estado de México al proyectar cintas de producción nacional que difícilmente tienen circulación en los espacios comerciales. Así, además de acercar nuevas propuestas, teje una red para impulsar los trabajos del talento local.

“Cada proyecto que iniciamos pensamos que estamos ayudando a fortalecer nuestra comunidad, afianzar alianzas y que más personas quieran formar parte de esta iniciativa que busca incorporar a más jóvenes talentosos”, comenta Sánchez Mendoza.

Parte importante de las acciones, el CAT se compromete con la comunidad al fortalecer el tejido social, por lo que, al finalizar cada función, se realiza un cine-debate en el que se explora cada película a fondo. 

“Es muy grato ver que logramos llegar a los corazones de las personas, tematizar ciertas problemáticas que, en ocasiones, mediante el cine se vuelven más evidentes y fáciles de identificar. También es grato ver que cada persona que llega representa una esperanza, y que junto con ella se puede trabajar en beneficio de nuestros espacios colectivos, a través del cine”, señala.

El próximo 31 de diciembre, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), organismo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, cumplirá 80 años de impulsar el desarrollo de las artes en el país.

En el marco de esta conmemoración, se dará a conocer el trabajo de las coordinaciones nacionales y los distintos centros de trabajo del Instituto, así como sus aportaciones al desarrollo artístico y cultural de México. En esta ocasión, Gerardo Cedillo Bolaños, coordinador nacional de Artes Visuales, destaca las principales líneas de acción de esta área, entre las que figuran la preservación del patrimonio artístico, el impulso a la creación y la ampliación del acceso a las artes visuales.

Patrimonios

Uno de los principales ejes de trabajo de la Coordinación Nacional de Artes Visuales (CNAV) es la colección artística del Inbal, integrada por más de 70 mil piezas de los siglos XVII al XXI, con predominio del arte moderno y contemporáneo. El acervo se enriquece constantemente mediante donaciones, pago en especie y adquisición de obra, explica Cedillo Bolaños.

A partir de este acervo se organizan cerca de 200 exposiciones al año, con propuestas que ofrecen nuevas lecturas del patrimonio artístico y buscan acercarlo a públicos diversos, en particular a las infancias y juventudes, mediante herramientas de mediación que favorecen el encuentro con las obras.

En el marco del 80 aniversario del Instituto, Gerardo Cedillo destaca la relevancia de los 19 museos que conforman su Red, concebidos como espacios públicos de exhibición, reflexión y debate en torno al arte. “Creemos que el trabajo de la institución es mantener esas conversaciones abiertas, de lo contrario, no habría futuro posible para la plástica mexicana”, afirma.

Áreas

El coordinador señala que los museos del Inbal han sido escenarios de debates impulsados por artistas y obras que cuestionan, confrontan o incomodan. A través de sus exposiciones, la institución ha contribuido a abrir espacios de discusión que forman parte de la historia del arte en México.

La revisión de las colecciones también constituye una prioridad. “No solo buscamos generar exposiciones con nuevas miradas, sino también reconocer trayectorias y abordar momentos importantes en la historia del arte en México, sobre todo, lograr que las colecciones tengan una mayor representación social con obras de mujeres artistas, de grupos históricamente excluidos y de prácticas poco visibilizadas”.

Otro eje de la CNAV es el impulso a la producción artística mediante convocatorias que han contribuido al desarrollo de distintas generaciones. Entre ellas destacan la Bienal de Pintura Rufino Tamayo, con casi 45 años de trayectoria, y el Encuentro Nacional de Arte Joven, que suma 46 años. A estas iniciativas se incorporarán una convocatoria de mentoría para jóvenes artistas y otra para conformar un Consejo de Jóvenes que contribuya a la vida de los museos del Inbal.

Como parte de las actividades conmemorativas, en noviembre se realizará el Coloquio de Artes Visuales, dedicado a revisar la historia y la conformación de la colección del Inbal. El encuentro académico estará acompañado de una publicación independiente que abordará el acervo desde distintas perspectivas.

El arte va a todos los rincones

Otra iniciativa es el Museo Móvil, un autobús convertido en museo, que llevará parte de los acervos del Instituto a distintos puntos de la Ciudad de México y a otras entidades del país. El proyecto será posible gracias a un donativo de la Fundación ADO e incluirá la participación de artistas invitados y mediadores locales, quienes propiciarán el diálogo con las comunidades en torno a las obras y la labor de los museos, explica Cedillo Bolaños.

En materia de investigación y preservación, la CNAV trabaja de manera coordinada con otras áreas del Inbal en el registro, la documentación, la difusión y la conservación del patrimonio artístico. También desarrolla una plataforma digital para facilitar el acceso a la colección del Instituto y ampliar las posibilidades de consulta, estudio e investigación del arte mexicano.

En el marco del Día de Muertos 2026, la Secretaría de Cultura del gobierno de México, a través de la Dirección General de Vinculación Cultural (DGVC), invita al público a formar parte de una programación gratuita de actividades artísticas que celebran la memoria, las tradiciones y la creatividad en distintos estados del país.

A través de ofrendas, exposiciones, propuestas escénicas y talleres, se compartirán distintas formas de conmemorar y recordar a quienes ya no están. En Oaxaca, el Semillero Creativo de Danza en Santa María Jalapa del Marqués presentará “Brujas de México”, una muestra de danza en la que los grupos infantil y juvenil recuperan personajes del imaginario popular mexicano. La cita es el 20 de octubre, a las 18:00 horas, en el Domo municipal.

En el Estado de México, el Semillero Creativo de Dibujo, Pintura y Modelado en Cocotitlán invita a 2.º Festival Ecos del Mictlán, que celebrará el Día de Muertos con ofrendas, teatro, exposiciones y un recorrido por las calles de San Andrés Metla. Participarán Semilleros de Chalco, Chimalhuacán, Ixtapaluca, Nezahualcóyotl y Valle de Chalco Solidaridad en un encuentro para compartir la memoria y las tradiciones de la comunidad.

En Sonora, el Semillero Creativo de Paz de Danza en Guaymas invita a la Exposición de Catrinas. La muestra se llevará a cabo el 28 de octubre, de 15:00 a 18:00 horas, en la Escuela Primaria General Ignacio Mori, en la localidad de Pitahaya.

En Michoacán, el Semillero Creativo de Artes Plásticas en Tacámbaro realizará el Rosario Gigante, como parte de ¡La Gran Ofrenda! que elaboran infancias y juventudes del grupo colaborativo. Esta se llevará a cabo del 26 al 30 de octubre, de 11:00 a 15:00 horas, en el centro de Tacámbaro. Durante las festividades de Día de Muertos en esta localidad se espera un aforo aproximado de 7 mil personas.

En Guerrero, el Semillero Creativo de Artes Visuales en Tlapa de Comonfort, el 29 de octubre, compartirá VIKO NDII Fiesta de los Muertos, una ofrenda de gran formato realizada con cartonería, papel picado y flores de papel crepé que recupera las tradiciones y los rituales de la comunidad. Podrá visitarse de 18:00 a 20:00 horas, en la cancha de la Comisaría Municipal de Atlamajac.

Cada año, durante los últimos días de octubre y los primeros de noviembre, miles de familias mexicanas preparan altares para honrar la memoria de sus seres queridos fallecidos. En estos espacios colocan fotografías, alimentos, bebidas, flores y objetos que recuerdan la personalidad, los gustos y las historias de quienes formaron parte de sus vidas.

Esta tradición tiene raíces en las creencias de los pueblos indígenas de México y, con el paso del tiempo, incorporó elementos de la religión católica. La combinación de ambas influencias dio lugar a diversas maneras de conmemorar a los difuntos, que varían según la región, la comunidad y las costumbres familiares.

En 2008, la Unesco inscribió la celebración del Día de Muertos en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, reconociendo su importancia para la identidad y la memoria de las comunidades mexicanas.

¿Por qué se colocan los altares?

De acuerdo con la tradición popular, los altares son espacios simbólicos para recibir y recordar a las almas de los difuntos. Cada objeto colocado tiene un significado especial y representa el cariño, la fe y los recuerdos que permanecen entre los vivos y quienes han fallecido. Aunque algunas familias siguen modelos tradicionales, otras crean altares más sencillos o incorporan elementos personales. No existe una única forma de elaborarlos: su significado depende de las creencias y costumbres de cada hogar.

En muchas comunidades, los altares se preparan para recibir a familiares fallecidos durante los días dedicados a su memoria. También pueden dedicarse a niños, adultos, personas de la comunidad o incluso a quienes no tienen familiares que los recuerden.

¿Qué significan los niveles del altar?

Una de las características más conocidas de los altares es que pueden construirse en diferentes niveles. Sin embargo, su número y significado cambian según las costumbres de cada región.

Los altares de dos niveles suelen interpretarse como una representación de la relación entre el cielo y la tierra. Los de tres niveles pueden asociarse con el cielo, la tierra y el inframundo, aunque también existen interpretaciones relacionadas con la tradición cristiana.

Los altares de siete niveles son muy populares y suelen vincularse con los pasos o etapas que, según ciertas creencias, debe atravesar el alma para alcanzar su descanso. Esta interpretación no es universal y no todas las comunidades utilizan el mismo modelo.

Lo importante es comprender que la estructura del altar no es una regla obligatoria, sino una expresión de las creencias y tradiciones de quienes lo elaboran.

Una tradición que cambia según la región

En México, el Día de Muertos se celebra de muchas maneras. En algunas comunidades de Michoacán, las familias acuden a los cementerios para adornar las tumbas con flores y veladoras. En Oaxaca, los altares pueden incluir alimentos regionales, pan tradicional y decoraciones elaboradas. En otras localidades, las celebraciones combinan música, rezos, visitas al panteón y reuniones familiares.

En Chiapas, las costumbres también varían entre comunidades y grupos culturales. Las familias pueden preparar ofrendas en sus hogares, visitar los cementerios y colocar alimentos, flores y objetos dedicados a sus seres queridos, de acuerdo con sus propias tradiciones.

Esta diversidad demuestra que el Día de Muertos no es una celebración idéntica en todo el país, sino un conjunto de prácticas que expresan la relación de cada comunidad con la memoria y la muerte.

Cómo elaborar un altar en casa

Para preparar un altar no es necesario contar con una estructura grande ni adquirir todos los elementos tradicionales. Se puede comenzar con una mesa limpia, una fotografía y algunos objetos significativos para la familia. Después, se pueden incorporar flores de cempasúchil, alimentos, agua y decoraciones de papel picado. También es posible escribir una pequeña dedicatoria o colocar una carta para recordar alguna anécdota especial.

Si se utilizan veladoras, deben colocarse lejos del papel, las flores secas y otros materiales inflamables, sobre una superficie estable y sin dejarlas encendidas sin supervisión. Una alternativa segura son las velas eléctricas. Más allá de la decoración, lo esencial es que el altar tenga un significado personal y represente el cariño hacia las personas recordadas.

Los altares de Día de Muertos son una forma de conservar historias familiares, transmitir conocimientos y mantener vivas las tradiciones. Cada fotografía, alimento y flor puede evocar una conversación, una anécdota o un momento que sigue presente en la memoria.

Esta celebración invita a recordar que las personas dejan huellas en quienes las conocieron y que las costumbres pueden ayudar a mantener esos recuerdos de generación en generación.

Porque un altar no solo reúne flores, veladoras y alimentos: también reúne historias, amor y recuerdos que permanecen vivos en el corazón de quienes no olvidan.

Gala Montes hace catarsis con nueva música y revela más detalles sobre la difícil situación con su madre Crista Montes, quien manejó su carrera cuando era una niña y de quien actualmente está distanciada.

Tras el conflicto con su madre, expuesto hace un par de años, antes de su entrada a La casa de los famosos México, Montes también se ha distanciado de su hermana y su sobrina; públicamente ha hablado sobre su consumo de mariguana, lo que la ha puesto en el centro de la polémica por ciertos comportamientos y declaraciones.

La actriz hizo pública la problemática con su madre el 9 de julio de 2024, durante una transmisión en vivo en redes sociales. La controversia surgió luego de que Crista ofreciera una entrevista a la revista TVNotas, en la que aseguró que su hija la había despedido injustamente como su representante.

Expone su dolor

Gala Montes compartió en Instagram una fotografía que contiene un mensaje que, según expuso, le escribió su madre, Crista Montes, cuando era niña.

La actriz habló del dolor que le provoca recordar esas palabras y explicó que su nuevo proyecto musical, La hija de nadie, busca acompañar a quienes han sentido que no pertenecen a ningún lugar.

Recuerdos

La imagen muestra una fotografía de la infancia de Gala utilizando una peluca, junto a un texto atribuido a su madre. “Niña, en vez de ir a la escuela, te llevaron a sacar fotos. Pareces prostituta en vez de niña”, se lee.

Junto a la publicación, la actriz reconoció que intentó grabar un video para explicar lo que sentía, pero no pudo hacerlo debido a la emoción que le provocó recordar el episodio. “Quería hacer un video explicando pero además de que se me cortaba la voz, no hay nada que explicar sin embargo mucha gente juzga mis pies y me duele demasiado porque no saben lo difícil que es que tu mamá te escriba esto”, expresó.

La publicación también sirvió para presentar el sentido personal de su nuevo disco, La hija de nadie, un proyecto con el que busca conectar con personas que han atravesado experiencias dolorosas y que, en algún momento, han sentido que no tienen un lugar al cual pertenecer. “Este disco lo hice para los que sienten que no pertenecen”, escribió la famosa, antes de compartir un mensaje de apoyo para quienes han vivido situaciones difíciles durante su infancia”.

La última película de RJ Mitte ya está terminada, pero el actor no alcanzó a verla en la pantalla grande. Mitte murió el pasado 12 de octubre en Texas, según los reportes oficiales, la causa de muerte se confirmó como suicidio.

Conocido por dar vida a Walter White Jr. en la serie Breaking bad, protagonizó Cassi, cinta en la que compartió créditos con Dove Cameron y que se estrenará a principios del 2027.

En declaraciones a TMZ, el director y productor Josh Webber reveló que RJ estaba sumamente entusiasmado; incluso, se mantuvo al pendiente de la producción y respaldó al equipo en todos los obstáculos que enfrentaron y que los obligó a retrasar el lanzamiento.

Webber también destacó el trabajo del actor y aseguró que su interpretación le habría dado un impulso sumamente importante para su carrera. “Es un papel que lo catapulta a la fama”, citó el medio estadounidense.

Sin saber que pasará

Mitte logró ver un primer montaje de la cinta, pero lo que más lamenta el productor es que ya no estará con ellos para conocer la respuesta del público. “Es triste saber que RJ no estará allí con todos cuando se estrene la película y que no podrá experimentar el reconocimiento que se merece”, dijo.

Cassi es un thriller psicológico, en el que el romance se convierte en una historia de obsesión, violencia y venganza. Mitte interpreta a Isaac, un empleado de una funeraria solitario y reservado que se enamora de Cassi (Cameron), una mesera. La relación entre ambos toma un rumbo oscuro y deriva en una espiral de violencia y asesinatos en Los Ángeles.

Mientras los investigadores siguen la pista de los crímenes, Isaac comienza a sospechar que Cassi oculta algo y que podría estar involucrada en los homicidios. Entonces debe enfrentarse a una pregunta: hasta dónde está dispuesto a llegar por la mujer de la que se enamoró.

Cuna de lobos no estaba lista para salir al aire. Era 1986. La antagonista, que se convertiría en la figura central de este thriller, tardó en encontrar a su intérprete perfecta: María Rubio, luego de que las dos primeras opciones no pudieron formar parte del melodrama. Así fue la llegada de esta trama hace 40 años, considerada una de las mejores en la historia de la televisión mexicana.

El crítico Roberto Rondero recuerda que cuando se estaba planeado esta producción, no encontraban quién le diera vida a la villana de la historia, Catalina Creel, que ya había sido rechazada por Ana Martín, debido a su agenda, y Marga López, porque no llevaría el primer crédito.

También se dice que el papel era para Ofelia Guilmáin, pero Ernesto Alonso, entonces productor ejecutivo de Televisa, no la dejó. “María Rubio no estaba considerada. En esta selección también intervino la opinión de su esposo Luis Reyes de la Maza, uno de los creativos más importantes que ha tenido Televisa en la escritura de libretos; él le dijo que esta novela era diferente y estaba bien escrita, que aceptara el papel, y así se quedó”, explica Rondero.

La villana

Nació entonces la historia de Catalina Creel, la temible matriarca de la poderosa familia Larios Creel, que no se tocaba el corazón para manipular a sus hijos José Carlos (Gonzalo Vega) y Alejandro (Alejandro Camacho) con tal mantener el poder y la fortuna de la dinastía, así tuviera que pasar por encima de inocentes como Leonora (Diana Bracho).

El actor Humberto Elizondo, quien formó parte del elenco de esta telenovela como el inspector Norberto Suárez, recuerda que en 1986, cuando El camino secreto llegaba a su etapa final, la telenovela que le sucedería no convenció al entonces presidente de Televisa, Emilio Azcárraga Milmo. “Entonces preguntó ‘¿qué tenemos?’. Y el productor Carlos Téllez le dijo que desde hace una semana había comenzado a grabar ‘Cuna de lobos’. Le explicó de qué iba la trama y ‘El Tigre’ (como se le conocía a Azcárraga) dijo ‘entren con esa’. El 13 de octubre de 1986 se estrenó el primer capítulo, sin promoción, sin lanzamiento”, indica.

Gran recibimiento

A pesar de lo apresurado, Cuna de lobos se convirtió a las dos semanas de transmisión en la favorita del público, lugar que conservó hasta el momento de su capítulo final, el 5 de junio de 1987, con un récord de audiencia: de cada 100 televisiones prendidas, 80 estaban sintonizando la telenovela.

Pero este éxito tuvo un costo para María Rubio, quién literalmente sufrió las consecuencias de dar vida a Catalina Creel, la gran villana. “María tenía un problema muy grave, se caía frecuentemente por el parche, porque cuando te tapan un ojo pierdes la dimensión de la distancia, entonces se golpeaba muy seguido, y las jornadas de María eran matadoras, de 14 o 15 horas; además, tenía que cambiarse de parche cuando lo hacía de vestido, que iba a juego, y luego su peinado de ‘nido de pájaro’ era francamente difícil”, cuenta el actor.

Elizondo comenta que cuando estaban transmitiendo la telenovela, la producción y el elenco no dimensionaban el éxito que era, no solo en México, también en el mundo, debido a que se encontraban encerrados en el foro o las locaciones grabando. “A mí me pararon en el aeropuerto un grupo de chinos, porque la estaban viendo en su país. ‘Cuna de lobos’ fue para mí el cambio total; pasé de ser un actor que se buscaba la vida todos los días a ser un actor que ya era reconocido”, dice orgulloso Elizondo.

Para el actor fueron varios los factores que la hicieron exitosa, comenzando porque el escritor, Carlos Olmos, quien siempre estaba cerca del director, con quien tenía muy buena relación. También innovó al reducir sus escenas a menos de un minuto, lo que le dio más agilidad, y su reparto.

Este éxito no se ha repetido con ninguna otra historia, incluyendo la nueva versión de Cuna de lobos en 2019, con Paz Vega como Creel. “Con esa versión el mensaje fue claro: no te metas con los clásicos’ Todavía se atrevieron a recortarla, la condenaron. No funcionó porque los tiempos son distintos”, explica Rondero.

Judy Collins, nacida como Judith Marjorie Collins en mayo de 1939 en Seattle, Estados Unidos, se ha consolidado como una de las artistas más influyentes en el ámbito de la música folk y AOR (album-oriented rock). Desde temprana edad, Judy Collins estuvo rodeada de música. Su padre, líder de una banda, fue una de las primeras influencias que despertaron su interés por la música. Aunque inicialmente comenzó a estudiar piano en la ciudad de Denver, Judy Collins pronto se sintió atraída por el creciente movimiento folk de la década de 1960. Este movimiento, que buscaba regresar a las raíces musicales populares y tradicionales, fue fundamental para su desarrollo artístico.

La escena folk de la época, que incluía a artistas como Bob Dylan y Joan Báez, marcó un punto de inflexión para Collins. Esta nueva corriente musical se convirtió en el vehículo perfecto para expresar sus inquietudes sociales y personales, y fue en este contexto donde la joven cantante desarrolló su propio estilo.

Su pasión por la música folk y la influencia de su entorno familiar se unieron para dar forma a su carrera musical, que rápidamente comenzaría a tomar fuerza en la escena musical de Estados Unidos.

Logros y contribuciones

En 1960, Collins firmó con el sello discográfico Elektra y debutó con el álbum A maid of constant sorrow, que le permitió ganar visibilidad dentro del circuito musical. Aunque este primer disco no tuvo un gran éxito comercial, sentó las bases para su futuro en la música folk y permitió que su nombre comenzara a resonar en los medios de comunicación. A lo largo de los años, Collins continuó consolidándose como una de las principales figuras del folk, especialmente después de su colaboración con otros artistas influyentes.

El éxito de los primeros álbumes

En 1962, tras enfrentar una grave enfermedad que la mantuvo fuera de la escena durante medio año, Collins regresó con Judy Collins 3. Aunque este material no logró alcanzar grandes posiciones en las listas de éxitos, su reputación dentro del movimiento folk continuó creciendo. Este fue un momento clave en su carrera, ya que le permitió afianzar su lugar en el panorama musical.

En 1965, Collins logró su primer gran éxito con el Fifth album, que alcanzó el puesto 69 en las listas de popularidad. A partir de ahí, su carrera despegó, y fue en 1967 cuando grabó los primeros temas de Leonard Cohen, quien se convertiría en uno de los más grandes poetas y cantautores de la música contemporánea. Estos temas fueron incluidos en su disco In my life, y marcaron el inicio de una de las colaboraciones más fructíferas de la historia de la música folk.

Wildflowers y la cima del éxito

Sin duda, uno de los momentos más destacados de la carrera de Collins fue la publicación de su álbum Wildflowers en 1968. Este disco no solo fue un éxito comercial, sino que también consolidó a Collins como una de las figuras más importantes de la música folk de la época. Alcanzó el número 5 en las listas de popularidad de Estados Unidos y permaneció en ellas durante más de un año y medio. Durante este periodo, Judy Collins también se destacó por su capacidad para interpretar temas de gran carga emocional, como “Amazing Grace”, un himno que le permitió alcanzar el puesto número 5 en las listas de popularidad de Reino Unido.

La colaboración con Leonard Cohen

El vínculo entre Judy Collins y Leonard Cohen fue clave en la evolución de la carrera de Collins. En 1967, la cantante grabó por primera vez canciones de Cohen, un escritor y compositor que más tarde se convertiría en uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. Esta colaboración marcó un antes y un después en la trayectoria de Collins, que se benefició enormemente de la poesía y la profundidad emocional de las composiciones de Cohen.

En particular, la versión de Collins de la canción “Suzanne” de Cohen se convirtió en un éxito en 1966, lo que catapultó la carrera de ambos artistas. A lo largo de los años, las interpretaciones de Judy Collins de temas de Cohen, como “Bird on the wire”, se convirtieron en clásicos dentro del repertorio de la música folk.

Un “Rocky mexicano” es como definieron al final de la proyección el filme de Jonás Cuarón Campeón gabacho. Durante poco más de hora y media, Liborio, un migrante mexicano en Estados Unidos bueno para recibir golpes, demuestra su resiliencia, es apoyado por la comunidad que ha ido forjando y, por supuesto, va conociendo al amor.

Es, dice Cuarón, un adolescente que quiere encontrarse así mismo en un lugar (Nueva York) que puede ser agreste para él y de peligro, algo similar a lo que viven varios migrantes al momento de cruzar al otro lado de la frontera, independientemente de su nacionalidad.

La historia es la adaptación fílmica de la novela original de Aura Xilonen. Protagonizada por Juan Daniel García Treviño y la cual abrió el 24 Festival Internacional de Cine de Morelia. “El box es una de las líneas que conectan con la película, pero la historia va más allá de eso. Es un personaje que tiene un como súper poder de dar golpes, pero también es una persona a quien la vida, literal y metafóricamente, se lo ha madreado y se levanta, y esa sensación se me hizo relevante no solo por la experiencia migrante, sino de toda la gente marginada que sigue y sigue adelante”, comenta Jonás en entrevista.

La relación entre ambos países es algo que siempre ha interesado al realizador. Su ópera prima, Año uña (2007), confeccionada por fotografías, mostraba a una estadounidense migrando a México; en Desierto (2015) exploró la travesía por esas tierras inhóspitas para alcanzar el sueño americano, y en Chupa (2023), un gringo buscaba adueñarse de unos seres que aparecían en una familia mexicana.

El mismo Jonás lleva cuatro años radicando en Estados Unidos, de donde es su esposa. “Justo cuando salimos con ‘Desierto’ era el inicio de la primera presidencia de Donald Trump (hace una década) y se hablaba mucho de lo relevante que era la temática y por desgracia cuántos años han pasado y se ha vuelto más relevante”, refiere.

Sylvia Pasquel inició una batalla legal contra una revista que la señaló como la tercera en discordia en el romance entre su hermana Viridiana Alatriste y Jaime Garza.

La publicación retomó esta versión más de cuatro décadas después de la muerte de la actriz en un accidente automovilístico, un hecho que vuelve a colocar a la familia en el centro de la polémica.

En entrevista con Venga la alegría, su abogado, Gustavo Herrera, explicó, según su interpretación, que la nota presenta a Pasquel como responsable de lo ocurrido con su hermana Viridiana.

“Afecta su imagen y le causa una afectación psicológica. Hace imputación como si la señora Pasquel hubiera sido la causante de la muerte de su hermana. Nunca, nunca se hizo una acusación en contra de ella. Entonces, están difamando a la señora Pasquel”, expuso.

Herrera también precisó que el procedimiento iniciado por la actriz corresponde a la vía civil, mediante la cual pretenden reclamar una indemnización por daño moral, además de los perjuicios relacionados con la publicación de fotografías de Pasquel sin su autorización.

La serie Timbiriche no busca faltar el respeto a los integrantes originales y menos sustituirlos, pero sí busca, al tocar temas sensibles que ocurrieron alrededor de ellos, generar reflexiones.

Eso dice Jesusa Ochoa, quien interpreta a Alix Bauer, la integrante que de niña era la más “llenita” y que por ello fue blanco de críticas del público. La producción que hoy estrena su tercer capítulo también toca el caso del presunto abuso de Luis de Llano a Sasha, quien era entonces una adolescente. “Justo toca temas sensibles que en ese momento estaban normalizados como hablar de cuerpos ajenos, el abuso de poder, las competencias innecesarias que no están bien. Es importante aprender de los errores y poner el ojo en ese tipo de situaciones”, dice.

En el caso de Alix, dice Jesusa, es un personaje que buscaba tener una vida fuera del escenario. “Eso era importante para ella. De hecho, ya se vio (en los episodios estrenados) que conoce a alguien aparte del medio, entonces es llevar ese contraste, de cómo una adolescente de 14, 15 años, cuando el mundo estaba loco por el fenómeno Timbiriche, buscaba otra cosa”, añade.

Afinados

A Jesusa se le verá además interpretar varias canciones que fueron éxitos del grupo, entre estas “Mírame”. “No somos cantantes, pero sí estamos afinados”, bromea. “Grabamos la serie durante tres meses en Uruguay y era bonito ver que allá muchos chavos comenzaron a cantar las canciones cuando no los conocían tanto”.

La hija del actor Jesús Ochoa entró al proyecto por insistencia de Alberto Guerra, productor ejecutivo y quien también actúa interpretando a un magnate del entretenimiento. En un inicio la joven había dicho que no podía asistir a una audición por cuestiones de agenda. Pero Alberto, con quien estaba trabajando en la serie Me late que sí, le pidió que fuera porque la veía como uno de los personajes.

“Regresé a decir, perdón, sí lo hago. Para crear a mi Alix fue basándonos en el guión y, sí, con una investigación enorme, de ver conciertos, entrevistas, y sí conocí a gente cercana a ella. Era ver cómo vivieron todo y poder filtrar un poco todo”, detalla.

La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México confirmó un nuevo concierto masivo y gratuito en la Plaza de la Constitución. La banda estadounidense Garbage se presentará ante miles de asistentes el próximo 14 de noviembre de 2026 a las 20:00 horas, en una jornada musical que promete reunir a distintas generaciones de fanáticos en el Zócalo capitalino.

Este acontecimiento marca uno de los espectáculos internacionales más esperados en el espacio público de la Ciudad de México, ofreciendo un recorrido sin costo por los temas más emblemáticos de la agrupación.

Semblanza

De acuerdo con las bases de datos de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (entidad organizadora de los Premios Grammy), Garbage es una agrupación de rock alternativo formada en 1993 en Madison, Wisconsin.

El grupo destaca por la voz e imagen de la cantante escocesa Shirley Manson, acompañada por los músicos y productores estadounidenses Duke Erikson, Steve Marker y Butch Vig (este último reconocido mundialmente por haber producido el histórico álbum Nevermind de la banda Nirvana).

A lo largo de su carrera, la agrupación ha vendido más de 17 millones de discos en todo el mundo. Su propuesta musical sobresale por fusionar el rock con bases electrónicas, elementos de trip-hop y melodías pop, logrando consolidar un sonido único que influyó de manera determinante en la escena alternativa de la década de 1990 y que permanece vigente en la actualidad.

La Sonora Santanera de Carlos Colorado y María Fernanda tiene dos fechas marcadas en el calendario: una entrega de reconocimientos en noviembre y un concierto en marzo de 2027 con el que celebrará 72 años de trayectoria.

Aunque sus clásicos siguen en el repertorio, la agrupación también apuesta por estrenar música. El 6 de noviembre participará en la Gran Gala por el 120 aniversario de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos y los 80 años del Colegio de Arquitectos de México.

En la celebración, se entregará un reconocimiento a la Sonora Santanera por sus más de 71 años de trayectoria. “Hemos sido galardonados muchas veces, pero que lo haga la Sociedad y el Colegio de Arquitectos es algo que no hay palabras para expresar”, comentó Juan Carlos Navarrete, director musical de la agrupación.

Nuevos proyectos

Sobre lo que viene, el músico explicó: “No dejamos de presentar los temas que ya son históricos, pero también estamos evolucionando y eso se mostró con el lanzamiento inédito de ‘Llegaste tú’ (se estrenó en la telenovela ‘Guardián de mi vida’), pero ahora, orgullosamente, estaremos el 7 de marzo de 2027 en la Arena Ciudad de México”.

El concierto será parte de los festejos por los 72 años de la agrupación y, adelantó Navarrete, contarán con invitados musicales.

El universo de las adaptaciones de cómics suma un importante fichaje con la incorporación del actor Josh Hutcherson para interpretar a Mr. Miracle (Señor Milagro) en un nuevo proyecto audiovisual.

Creado por la leyenda del cómic Jack Kirby en abril de 1971 dentro de la saga del Cuarto Mundo, el personaje representa una de las figuras más fascinantes y complejas del catálogo de DC Comics.

Descripción

De acuerdo con el sitio oficial de la editorial, esta entidad cósmica combina el heroísmo clásico con un trasfondo mitológico y la maestría del escapismo, consolidándose como un pilar fundamental dentro de las historias intergalácticas de la franquicia.

Según los archivos del portal especializado de DC Comics, el personaje más representativo bajo la identidad de Mr. Miracle es Scott Free, una entidad perteneciente a la raza de los Nuevos Dioses. Scott es hijo biológico de Highfather (Padre Celestial), el líder del pacífico planeta Nueva Génesis. Como parte de un pacto de paz para detener una guerra desastrosa, fue entregado cuando era un bebé al tirano Darkseid, gobernante del planeta Apokolips (quien a su vez entregó a su hijo Orión).

Crecido en los brutales orfanatos bajo el mando de la Abuelita Bondad (Granny Goodness), el joven sufrió constantes torturas. Dichas adversidades lo llevaron a desarrollar una habilidad inigualable para escapar de cualquier trampa o prisión, convirtiéndose en el mejor escapista del universo.

Tras lograr huir hacia la Tierra, adoptó un perfil como artista del espectáculo y se integró a grupos emblemáticos como la Liga de la Justicia. En su travesía lo acompaña su esposa Big Barda (Gran Barda), una poderosa guerrera y exlíder de las Furias de Apokolips que también desertó para luchar por la justicia.

De acuerdo con la información histórica recopilada por portales especializados en literatura gráfica, Scott Free no es el único individuo en portar este manto.

Sin mayores noticias

Por el momento, DC Studios no ha anunciado una fecha oficial de estreno para la serie animada de Mr. Miracle. El proyecto acaba de ser confirmado de manera oficial por Peter Safran (co-CEO de DC Studios), revelando detalles del elenco principal —con Josh Hutcherson como la voz de Scott Free/Mr. Miracle y Mackenzie Davis como Big Barda— y confirmando que Tom King escribió los 8 episodios que componen la temporada.

Al encontrarse en etapas de desarrollo y producción de animación, se proyecta que la serie podría llegar a las pantallas hacia finales de 2027 o durante 2028.